長谷川新『点と線』

2013年に、武田海さんはストライプハウスギャラリーで「IDEA」というタイトルの個展を開催しており、その展覧会を記録した小冊子があります（編集・富永剛総／ONECUP出版）。



インディペンデント・キュレーターの長谷川新さんが、この小冊子についてブリリアントなテキストを書いてくれているのでご紹介します。
あるいは、今回の海さんの展覧会のよき導入となるかも知れません。

ちょうど現在、トーキョーアーツアンドスペース本郷では、長谷川さんのキュレーションによる『不純物と免疫』という展覧会が開催中です。 17日から始まる海さんの個展と併せて、ぜひ。

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『点と線』

  長谷川新(インディペンデント・キュレーター)

筆者は残念ながら武田海の作品に触れる機会を得ていない。ある日自宅に届けられた一冊の記録集を拝読したにすぎない。それのみをして武田海論を執筆するということは、筆者には手にあまるばかりか、作家に対して礼を失する。そこで、筆者は記録集の最後に掲載された「IDEAの海へ」と題された一群のテクストについて、若干文章を綴ることとした。それは「点と線1」「点と線2」に分けられる。


点と線1
西洋美術における 20世紀最大の「発明」とは何かと問われれば「抽象絵画」であるという答えが返ってくるだろう。すでに歴史化、ジャンル化された「抽象絵画」は、おそらくその「起源」からちょうど一世紀が経ったということもあり、一斉に問いに付されている。

抽象絵画をめくる男性中心主義は、まさにその偏向的な歴史化を行ってきたニューヨーク近代美術館〔MoMA〕自身によって反省され、大きく修正されている。ここ数年の動向を見てみるだけでも、Inventing Abstraction 1910-1925〔抽象を発明する1910-1925〕展(2012年)を画期とし、The Forever Now: Contemporary Painting in an Atemporal World〔永遠の今:超時間的世界における現代絵画〕展(2014年)の失敗を経由しつつも(ゾンビフォーマリズム批判が吹き荒れた年だ。付言するとキュレーターであるローラ・ホプトマンはエリザベス・ペイトンやジョン・カリンら具象傾向の作家を90年代に評価し、草間彌生の回顧展を行い、ドローイングを作品として制度的に登録させた立役者である)、Making Space: Women Artists And Postwar Abstraction〔空間を作り出す:女性作家と戦後の抽象〕展(2017年)に至っている。 こうしたジェンダーに基づいた歴史登録の偏向の矯正と同時に、アメリカ中心主義の見直しも盛んに行われている。いずれの戦略においても鍵となるのは、抽象絵画の非-政治的表面性に隠蔽された大いなる政治性の暴露である。フランシス・フォリンによる書籍 Embodied Visions: Bridget Riley, Op Art and the Sixties〔具現化された視覚:ブリジット・ライリー、オプアート、60年代〕(2004年)は、オプアートの中心人物ブリジット・ライリーの展覧会を追いながら、彼女のキャリアにおいて、いかに様々な政治性が発露していたのかを見事に描写している。それはヨーロッパや南アメリカなどで盛んに行われていた幾何学抽象およびキネティックアートを、「POP ART」の「次」としての「OP ART」という命名によって「アメリカ化」したことに始まり(Responsive Eye〔応答する眼〕展もまた、MoMA である)、オプアートのもつ境界横断性ー抽象、サイエンス、テクノロジー、商業主義、モダニズム、鑑賞者の能動性、作品定義ー、ライリーが「女性作家」であり「イギリス人」であることによる種々の対立が拭い難く埋め込まれている。私たちはここで気づかなければならない。具象/抽象といった二項対立が融解した以後も、いやそもそもにおいて、およそ抽象絵画が政治的でなかったことなどない。


点と線2
イデア論ーこの世界はいわば「コピー」であり、真の実在としての「イデア」が存在する、しかし我々はそれを本当に知ることはできないーという人類の不幸を、いかに肯定するか。コンセプチュアルアートと呼ばれる作品群に通底する技術はそこに端を発する。たとえラファエロやピカソを持ってしても、彼らの技術でさえ、イデアを現実に表現することは叶わない。この壁を展開すると、次のようになる。頭のなかにある「アイデア」を現実世界にアウトプットするには、つまり、他者に伝達するには、必ずそのアイデアは劣化しなければならない。まるで画像の解像度が落ちるように。であるならば、問いはこのように反転する。アイデアの解像度の落ち方、アイデアの劣化の仕方の技術に焦点を当てるべきである。レディメイド、アッサンブラージュ、コラージュ、発注芸術、インスタレーション、パフォーマンスの一回性、これらは「劣化の仕方」の技術の研鑽として理解可能だ。コンセプチュアルアートとは畢竟、イデア論に対しての抵抗と肯定なのである。有名なコスースの椅子/椅子の写真/椅子の定義を並べた作品は、それらが「等価である」と言っている。いいかえれば、それぞれ「椅子のイデア」に対しての別様の劣化のあり方を示している。だからこそ、あの作品のタイトルは One and Three Chairs〔ひとつであり3つである椅子〕(1965年)と名づけられている。
椅子の作品に比べればあまり知られていないが、コスースは同シリーズとして Clock (One and Five).English/Latin Version〔時計(ひとつであり5つ)、英語/ラテン語版〕(1965年)を制作している。こちらはタイトルに時計とあるにもかかわらず、辞書の定義の引用にその文字はない。
代わりに記されているのは、「時間」「機械化」「オブジェクト」であり、それぞれが「時計のイデア」に対しての劣化となっている。しかし「時間」はさておき、残るふたつが「機械化」と「オブジェ」であるのはいかにも奇妙である。「機械化」と「オブジェクト」はまさにコスースがこの作品が制作した 1965年においての大問題であった。すなわち、(まだそう呼ばれてはいなかったが)コンセプチュアルアートに向けられた様々な誹謗中傷、激烈な怒り、痙攣的反抗に対しての、静かなコスースのメッセージになっている。それはあまりに繊細で小さな声で語りかけられている。しかし確かにコスースは、イデア論に対して別の戦い方を発見したのである。作家自身の身体によって形作られたものと、工業製品との間にある差異は優劣ではなく、イデアの劣化 のバージョン違いであるのだ、という点から、彼らの戦いは始まっている。問われるべきは、そのアイデア=コンセプトを伝達するにあたって、どのような劣化を選択するか、それのみなのである。

武田海 個展『 Loud Majority 』

11月17日から武田海さんの個展を開催します。

海さんは、ミシンで縫い合わせた布を人体に纏わせる精緻な立体表現で知られる彫刻家。
地下室には何度かグループ展などに出品してもらったことがあり、このたび満を持しての個展となります。

これまで作品を通して政治的なテーマに取り組んできた海さんですが、下に掲載した声明文を読むかぎり、今回の展覧会ではゆくりなくも大麻というものが重要なモチーフになっているようです。
昨今の政治情勢に絡めて大麻の問題が真摯に扱われていて、さながら「遅れてきたフラワーチルドレン」か「アップデートされたカウンターカルチャー」といった風情があります。

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『 Loud Majority 』
 – ステートメント –

2015年最愛の母が癌で他界した。直接の死因は抗がん剤の過剰投与による免疫不全の引き起こした肝不全だった。長年男性社会と戦い続けた慰安婦問題研究家の母の闘病は一年であっけなく幕を閉じた。画一的な抗がん剤投与治療への違和感や怒りを覚えている時に医療大麻の存在に行き当たった。

本展ではファシズムと * 医療大麻(=大麻)を中心的主題に据える。人間の身体を機械的に統制し管理する政治形態に対し、癒しを与える薬草における自然科学との二項対立をテーマとした。

国家の拘束力を無闇に高め民衆から言論や表現の自由を奪う政策は原発推進などと呼応しきな臭い20世紀前半的な匂いがする。非人間的な政治システムの咆哮にすら聞こえる。ここのところの政府の敷いた集団的自衛権や秘密保護法、共謀罪などの法制(挙げればきりが無いが)はメディアを使った情報操作も相まり、日本は今危険なファシズム的国家に退行しているかのようだ。 他方、日本古来の文化である大麻草は、大麻(=麻)を神事に用いたり衣食住そして医療に渡りことのほか珍重してきた歴史がある。伊勢神宮のお神札は「神宮大麻じんぐうたいま」と呼ばれ正月に配られる。横綱の化粧回も麻で出来ている、麻の実(種)は食用油や食料として用いられ、日本家屋の茅葺き屋根にも麻は使われた。天皇が即位後に行う新嘗(にいなめ)祭である大嘗(だいじょう)祭では麻(大麻)でお清めが行われる。しかし、第二次大戦後1948年以降、勝戦国アメリカは日本の大麻栽培、取引を全て禁止した。日本人の精神的依り代を断つ目的で日本人と大麻を切り離したとも言われている。現在の日本では大麻は麻薬とみなされ悪者にされている。昨今医療用を中心に解禁が進んできている西洋はというと、1840年インドからイギリスに渡った大麻は欧米全土に広まった。大麻に関する研究も盛んになされ1930年代アメリカでは医薬品の約半分が大麻だったとの記録も残されている。だが1937年アメリカの大麻課税法(禁止法)をきっかけに大麻は世界中で禁止される。原因は諸説あるが、石油メジャーの勃興期にあり、医療や燃料、建材にもなり容易に大量に栽培できる万能植物の大麻草は邪魔者扱いされたというのも一因であろうか。

ファシズム的政情に対するカウンターとして、自由や平和、望まれる循環型社会のメタファーとなる医療大麻の世界的リバイバルの動静(大半の先進国では現在、医療大麻の合法化、嗜好用大麻でも非犯罪化が進められている)を提示し、人間性と乖離を加速させる日本社会への 違和感をあぶり出す。1960年代のベトナム戦争時のアメリカの若者達から世界に飛び火したヒッピーカルチャーなどの徴兵に反対するムーブメントや仏教ブームの起こりからもマリファナ(大麻) と精神志向、平和志向の繋がりは見て取れる。作品では、女性性を纏う「縫う」彫刻での表現を中心に、映像、インスタレーション、ドローイングなどで展開する。縫う彫刻に表出する「布」や「糸」などの知覚も手がかりに「分断し」「繋ぎ」空間を創出する。

* 医療大麻については、昨今の欧米の研究で癌、アルツハイマー、リウマチなどによる疼痛、小児癲癇、等280種以上の病に効果が期待できるとされているが、もともと中国の「神農本草経」やインドのアユルベーダなどの4000年前の医学書からその効能が書き継がれている。日本でも戦前までは印度大麻チンキやぜんそく煙草などの呼称で庶民に親しまれていた経緯がある。

武田海

武田海 個展『 Loud Majority 』

■会期：2017年11月17日（金）– 12月4日（月）
■休廊日：火・水・木　※23日（木祝）は開廊　
■時間：13：00 – 19：00

■レセプションパーティー
11月18日（土）18：00 – 20：00

■トークイベント
11月23日（木祝）18：00 – 19：30
武田海 × 毛利嘉孝（東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科教授）


【武田海 プロフィール】
東京藝大染織科を修了後、作家としての経歴は1999年スペイン留学時代から始まる。社会問題と個人的表現の間に接点を見出し制作の幅を広げた。独自の素材という観点から日常的(社会的)な素材に手当たり次第着目し制作に結びつけてきた。帰国後2007年からは縫うという行為に着目し、人体表現をベースに縫った素材による布の彫刻を続けている。

1972 東京生まれ、1997 東京藝術大学大学院染科専攻修了、1999 マッサーナ美術学校(バルセロナ)。1998~2005 スペインに移住、バルセロナを拠点に、スペインの各都市、また欧州各地で作品を発表、2006 帰国。

[主なグループ展]
2012 「第15回太郎賞」(岡本太郎美術館、神奈川)、2011 「TAMAVIVAN II 2011」( 多 摩美術大学、パルテノン多摩展示場、東京)、2005 「バイスビエンナーレ」(バイス現代美術館、 スペイン)、2005 「ヴィックビエンナーレ」(カジノ、バルセロナ、スペイン)、2005 「Video Creacion」(ベルン現代美術館,スイス)、2003 「Miradas Oceanicas」(ヴィーゴ 現代美術館、ガリシア、スペイン)、2003 「Michelangero Pistoletto & Cittadellarte」(アントワープ現代美術館、ベルギー)、2003 「Discursion desviada」(カルドレ、オポルト、ポ ルトガル)、2003 「Artemergencia」(ジローナ国際演劇祭会場、ジローナ、スペイン)、 2000 「Generacion 2000」(マドリッド銀行主催、マドリッドを始めスペイン6都市を巡回)

[主な個展]
2014「エス」(ストライプハウスギャラリー(ホール)、東京)、2013 「IDEA」( ストライプ ハウスギャラリー、東京)、2010 「Play」(ギャラリーFURUYA、東京)、2004 「Melting P」 (ProyectoSD ギャラリー、バルセロナ、スペイン)、2003 「Retal」(サンチアゴコンポステーラ大学教会堂、ガリシア、スペイン)

[主な選出]
2012 「第15回太郎賞」入選 岡本太郎美術館 神奈川、2003 「アートインレジデンス CITTADELLARTE ピストレットファンデーション」イタリア、2002 「ミゲルカサブランカ賞」 名誉賞 バルセロナ、2001~03 「アートインレジデンス Hangar」バルセロナ、2000 「2000 世代展マドリッド銀行」彫刻部門大賞 マドリッド、1999 「若手クリエーターコンクール99 カタルーニャ」入選 バルセロナ

HPはこちら

『混生する足跡』

当日は台風襲来とかち合ってしまいましたが、なんとか敢行。
地下室の仕切られた空間をうまく利用し、三部構成の出し物それぞれでステージとなる場所を変えていたのが試みとして面白く、三組の演者の質はいずれも高くて、バラエティに富んだプログラムでした。

■コーラ (voice)＋レンカ (dance)＋めみハーロ (dance)
音楽は一切用いず、コーラさんのポエトリー・リーディングだけで、レンカさんとめみハーロさんが踊りました。
地下室中央の二間を舞台として使い、薄暗がりの奥の方で2人が昆虫のように縺れあいながら踊るのを、狭い間口越しに覗き見たりと、奥行を活かした巧みな演出には感心。コンテンポラリーっぽいキレのいい踊りとコーラさんの抑揚のない発声がよく合っていてクールでした。


レンカさん、めみハーロさん


コーラさん




■坂口諒之介 (弾語り)
今回のイベントがなければおそらく出会うことはなかったろうと思われる若き逸材。
彼のアコースティックギターの弾語りは、音楽も歌詞も人柄も痛ましいくらいの脆さと純粋さを孕んでいて、その無垢な歌声に耳を傾けているとなぜだか申し訳ない気分になってくるのですが、ときにパワフルで線の太いところも垣間見せ、不思議とアンダーグラウンドな世界に親和するものを感じさせるのでした。




■大岩巌 (舞踏)＋井上史朗 (l-ba)＋にら (l-gt)
にらさんのギターと井上さんのベースが奏でるノイズの中に大岩さんが現れるや、あたりを払う威容でたちまち場を掌握してしまうのを目の当たりにし、優れた舞踏に不可欠なのはこの圧倒的な存在感なのだと、確信めいた感慨を覚えました。
大岩さんの舞踏は、「踊る」というよりその一挙手一投足が、服を脱ぐという所作すらが、踊りに「なる」という感じで、きわめて正統的な舞踏を拝見させてもらったという気がしました。



大岩巌さん


井上史朗さん、にらさん


■小久保碧 (ランプシェード)
そして、これらすべての演目に、小久保碧さんの陶製のランプシェードが舞台美術としてうまく使われていました。
多孔質の大小さまざまなランプシェードを配置するだけで、絶妙な雰囲気を作り出していたのはお手柄でした。


※

※印以外は池田敬太さんの撮影です。

『混生する足跡』のお知らせ

10月29日に、レンカさんの企画による踊りと音楽のイベントを開催します。

3月に地下室でソロ公演をやったレンカさんに企画をお願いしたのは、その踊りがよかったからなのはもちろんのこと、それだけでなく、何気ない会話の中での、他のパフォーマーや舞台への寸評にセンスのよさを感じたから。
面白いものに鼻が利く人だと踏んで、イベントを考えてもらいました。
未知の方ばかり集めてもらったので、こちらとしても大変楽しみにしています。

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『 混生する足跡 』

【日時】
10月29日(日)　開場15:30 / 開演16:00

【出演】
コーラ (voice)＋レンカ (dance)＋めみハーロ (dance)
坂口諒之介 (弾語り)
大岩巌 (舞踏)＋井上史朗 (l-ba)＋にら (l-gt)＋小久保碧 (ランプシェード)

【料金】
1500円

【ご予約・お問合せ先】
[e-mail]
080-5377-4664 （レンカ）

「影炎 Mirages」展は終了しました。

おかげさまで「影炎　Mirages」展は無事終了。 Bar「Dungeon」も盛況のうち店じまい。たくさんのご来場ありがとうございました。

会場で配布していたテキストを掲載しておきます。
執筆はインディペンデントでキュレーションなどをされているタムラマサミチさん。
展覧会のコンセプトをわかりやすく敷衍し、よい手引きとなりました。

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「ろうそくの炎はこの宇宙のあらゆる法則に結びついているといえるでしょう」

科学者のマイケル・ファラデーが1848年と1860年のクリスマスに子供たちのために行ったろうそくの炎の実験講演は、この美しい一節から始まります。ファラデーは強いランプの光でろうそくの炎の影を映し出し、そのままでは目に見えない気流を陽炎として示すことで、私たちの住む地表を包む大気の存在へと話を広げていきます。

宇宙という真空の暗闇をまっすぐに進んでいく太陽光線は、そのままでは私たちの目に映ることはありません。それはやがて惑星を覆う大気に衝突することで、私たちが仰ぎ見る空として、あるいは夜空に浮かぶ星として、ようやく私たちの目に映るものとなります。それは上空で散乱して表情ゆたかな空模様を描き、ときには水滴で分散して空に虹をかけ、またあるときには屈折を重ねて空中に幻を浮かべます。地表まで到達したそれは、その通り道に陰影を刻みつけながら世界に形を与え、さまざまな物質との反射や透過を繰り返しながら世界に彩りを添えていきます。

一億５０００万キロメートル先の太陽から約八分かけて地球へと到達する光子や光波という物理現象は、その旅路の終わりのほんの一瞬に、私たちの知っている光という心理現象に変わります。それ自体は目で捉えられない光の粒子や波は、私たちが気づくよりも一足早くこの世界を構成するさまざまな物質と出会い、そこで受け止められたものが私たちの目に映る光になります。見ることがいつも新鮮な驚きに溢れているのは、私たちの手の届くこの世界のはてしない複雑さが、決して手の届かない遥か遠くから照らされた光として、そこに束の間の姿を現しているからでしょう。

この天体規模の光のドラマの舞台を新たに創り出すかのように、「影炎」展は地下室の暗闇にろうそくと電球というふたつの光源を公転する天体のように巡行させます。酸素の燃焼により自ら発生させる気流の中心で揺らぎ続けるろうそくの炎は、より強くより安定した人工光源に照らされ、ファラデーの実験のように地下室の壁に陽炎を浮かび上がらせます。この空間はまた、まだ誰も見たことのないとある惑星系の模型ともいえます。私たちはその内側と外側を自由に行き来し、立ち止まれば天動説の世界を、再び歩き出せば地動説の世界を、ともに体験することができるでしょう。

そして恒星を囲む惑星のように、その周囲には光を受け止めるさまざまな仕掛けが置かれています。あるものは大気のように光を絡めとり空間にさまざまな表情を浮かび上がらせ、あるものは物質の豊かな複雑さを通じて光を無数の彩りへと変え、またあるものは直進する光線を交錯した軌道へと誘い込み光を躍動させます。この世界を駆け巡る光線に一定の姿を与えるそれらはいわば光の器といえるものでしょう。自然界にはないユニークな形で揺らめく光を受け止める光の器は、自らも揺らぐ光として、さもなければ私たちが見ることはなかった世界の姿を眼前に広げてくれます。

光と影、見えるものと見えないもの、形あるものと無形のもの、そしてそれらを密やかに結びつけているそこにある世界の広がりと奥行きを、地下室の暗闇を照らす様々な光から見つけだしていただけたら幸いです。

タムラマサミチ(TANA Gallery Bookshelf)

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末尾ながら、クロージングイベントでの trio in quartet solo と舩橋陽さんの写真も。


（Photo : 関根正幸）