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地下室ブログ

板橋にある地下スペース「アートスタジオDungeon」で開催する展覧会やイベントの情報を発信します。

晦日い 2017

今年も地下室をよろしくお願いします。
遅ればせながら、昨年末の晦日いのご報告です。



展示も参加者も例年より多くて大盛況。
当日飛び入りで作品を持ち込まれる方もおり、すべて把握しきれないくらいの、ほどのよいカオスっぷりでした。


■あらかわあつこ『去年と今年のアルバム』『今年の個展ファイル』『「アーティストたちの家づくり展」出品作』
他人のアルバムを見るとき、なんだかその人の生活を覗くような、ちょっと後ろめたい気になります。既知の場所や知った顔に出くわすと、さざ波が立つようにハッとなったり。ましてや自分の姿を見つけたときなぞは。





■市川平『サンダとガイラのサンダ』
特殊照明作家の市川さんの作品は屋外に設置してもらいました。軒先でくるくると回転する照明が、誘蛾灯のように来場者を招き寄せてくれました。




■岡啓輔『ビルとズボン』
再開発問題は厄介そうですが、昨年は東京国立近代美術館の展覧会でも取り上げられ、日本建築史の中に確たるポジションを得た感があります。新井英樹さんが描いた岡さんの漫画も単行本化。




■木村哲雄『未来都市』
レトロフューチャーな未来都市。ドローイングというよりタブローのための下絵といった感じ。早くこの系列の絵画作品を見せてくれ画伯。




■関根正幸『ご近所写真』
ここのところ関根さんが晦日いに出している写真は、どうも記録より審美的な面に重きが置かれているように思われ、実は記録魔の新境地なのかも知れません。意外にちょっと艶かしかったりするのです。




■武田海『紙飛行機』  
立体作品とは違った、とぼけた味わいのドローイング。タイトルも意味不明な場合が多く、作家に訊ねると思いがけず含蓄に富んだ説明が返ってきたり、とくに深い意味はなかったり。そこらへんのユルさもまたいい具合です。




■田中大介『WARITAI』
田中さんは音響でワイングラスを割るというデモンストレーションをしましたが、割れませんでした。




■崔誠圭『家とその周辺に関するエスキース』
「アーティストたちの家づくり」という展覧会のために制作された作品。家づくりに関わるとしたら、というお題に対する崔さんの応答。枯葉の中にカタツムリが居たりします。





■出口泰之『yatoyama』
被写体の植物は、薄暮の森の中で撮影したそうです。イメージが立ち現れることへの出口さんの素直な喜びが画面に横溢しており、デジタルでありながら「現像」という言葉が強く想起されます。





■中島崇『遮蔽と露出 #1』
中島さんの作品をいっぺん野外で見てみたかったので、出入口に設営してもらいました。さすがストレッチフィルムという素材は自家薬籠中のもの。見慣れた風景に、あっという間に隠微な緊張がもたらされました。
中島さんは1月28日まで Gallery OUT of PLACE にて個展を開催中です。




■朴東竜『水族館』『無題』
日常の中の不条理な光景をシュールレアリスムの手法で描き出す東竜さんは、崔誠圭さんの元教え子。はからずも今回師弟対決が実現したのでした。





■比呂啓『ミニ「ゼロプロパガンダン展」』『ネット番組「世界のエスニックタウン」』『自主映画「360㎢」』
比呂啓さんはご近所にお住まいの映像ディレクター。世界の移民街を取材したネット番組の抜粋や、パレスチナへの思い入れに満ちた短編映画など。
また、比呂さんは世界の政治家などの肖像画のコレクションを「ゼロプロパガンダン展」と称して毎年公開しており、今年は2/7〜9に大塚シネマにて開催します。





■宮本江里子『西ノ島』『知夫里島』
宮本さんは毎年パノラマの大画面で未知の土地へ連れて行ってくれるので、たいへん得をした気分になります。今年は隠岐諸島。大画面というのは見るというより体験するといった感覚に近く、より臨場感が増しますね。





■柳田亮『顔出し聖ゲオルギウス』
竜退治で知られる聖ジョージの顏出し看板。商店街のハロウィン・イベント用に作ったものとのこと。柳田さんはモルドバの教会に描かれたこの原画に強く惹かれ、何度も模写しており、その姿勢にはどこかイコン制作者に近いものを感じさせます。




■大和由佳『human leg』
サン=テグジュペリ像の足裏を写した写真と、杖が地面をついている動画が一つのフレームに収められています。大和さんの作品には、発話や歩行といった素朴だけれど根源的な人間の行為への眼差しがあります。




■レンカ『ぬい』
踊り手のレンカさんが作った縫いぐるみのようなオブジェ。人かと思いきや、そうとばかりも言えないアンフォルメルなやつもいたり。かわいいけれど、形代のようなどこか呪術的な気配もあります。




■渡辺篤『Self portrait』
長きに渡る引きこもりから抜け出した際に自ら撮影した鬼気迫るポートレートを、布団カバーに印刷。布団というアイテムに当事者ならではのリアリティを感じます。「干された布団」とは「脱・引きこもり」の暗喩でしょうか。




■Chiyo Arae『prototype Ⅰ』
不在の父を表象する試み。かつてお父さんが来ていた服を象り、それをスクリーンとして所縁の映像を投影しています。




以下は、当日飛び入り参加の方々。
すべてフォローできてなくて、すみません。

■田島鉄也『永遠の思考』
最近は言葉をモチーフにした作品が多い田島さん。




■中野愛子『年越しそば』
俳優の比佐仁さんのポートレート。





そして、岡さんがまた踊ってくれました。
頭にかぶっているのはカモシカの毛皮です。








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「晦日い」のお知らせ

今年も残すところあとわずかになりました。
毎年恒例の「晦日い」のお知らせです。

12月30日に忘年会を兼ねて一日だけ開催される展覧会。
今年は過去最多となる18名の参加となりました。
一日だけの展示ではもったいない気がしますが、ハレというのはたぶんそういうものですね。

みなさまお誘い合わせの上、気軽にお越しください。
差し入れ大歓迎です。



【日時】
12月30日(金)15時 - 21時

【参加作家】
あらかわあつこ  市川平
岡啓輔      木村哲雄
関根正幸     武田海
田中大介     崔誠圭
出口泰之     中島崇
朴東竜      比呂啓
宮本江里子    柳田亮
大和由佳     レンカ
渡辺篤      Chiyo Arae






作品紹介

あらゆるタイプの作品を投入してくる猥雑な賑やかさは、海さんの展覧会の特徴とも言え、それは先鋭的なメッセージを標榜した本展でも変わりありませんでした。

展示の中心となる立体作品は2点に絞られ、それぞれ「政治」と「大麻」というテーマを際立たせるシンボリックな機能を担っていました。

◾️Only 100 Years History
これは未来派のボッチョーニの有名な彫刻が元になっています。
日章旗や飛び出た腸といったわかりやすい記号が付加され、アプロプリエーションという用語などよりも端的にパロディと呼んだ方が似つかわしいかも知れません。
20世紀のファシズムと現代日本がオーバーラップして、危険な魅力を放っています。




◾️Flamingo(ボングを届けるナース)
海さんが大麻に対して抱いている多幸的なイメージがこの立像に凝縮されているようです。
ボングとは大麻の吸引道具。台座の緑十字は大麻を示すマークで、米国などでは大麻を扱う薬局や施設に掲げられているとのこと。
モデルは奥さんでしょうと多くの人から指摘されても、作家は頑なに否定するのでした。



この2作は、具象彫刻の可能性、とりわけ人体像がいまも十二分にアクチュアルな問題を扱えるということを示したマスターピースと言えます。


◾️Sloth
テレビに代表されるマスメディアを批判した作品で、光るオブジェがマスというものの無気味さを表しているように見え、どこからともなく聞こえる虫の音が、本展のタイトル「Loud Majority」とも響き合っているようでした。



ほかにも、バカ殿や腰元たちがカルタ遊びに興じるビデオ作品『原発かるた』や、角砂糖でできた『Newさとちゃん』など、肌あいのまるで異なる作品が展示され、その振れ幅、ギャップがたいへん面白いところでした。




さらに、メッセージ性から遊離して、いい感じで力の抜けたドローイングが多数出品されており、これがなんとも不思議な味わいがあって、好評を博しておりました。



(Photo : 中野愛子)



トークイベント:武田海/毛利嘉孝「大麻と日本社会」

この展覧会で海さんが大麻の問題を扱うというのも慮外でしたが、展示もまたちょっと意表をつくもので、立体作品だけでなく、関連書籍や映像、各界著名人のコメント、北大路翼や正岡子規の俳句などが掲出されていて、地下室の一角が大麻の資料コーナーのようになっています。
この啓蒙的ともいえる直球ぶりは賛否の分かれるところだと思いますが、本展の特色の一つであることは間違いありません。







そして、ここで毛利嘉孝さんをお招きしてのトークイベントが行われました。


武田海さんと毛利嘉孝さん

カルチュラル・スタディーズを始めとする毛利さんのお仕事は説明するまでもありませんが、大麻の法改正を訴える「マリファナマーチ」はその雰囲気が好きでよく行かれるとのこと。
『アフターミュージッキング ―実践する音楽―』という編著書が出版されたばかりでもあり、海さんの美術の話に対して、音楽の側から補足してくれたのは有意義でした。

まず海さんが日本における大麻の実情や歴史的経緯を紹介した後、医療目的として導入すべきという自説を展開。それを受けて、毛利さんも自らの考えを鮮明にしながら、柔軟に縦横に話の幅を広げてくれました。

とはいえ、初手からお酒を飲みながらのトークだったため、つい伝法になって舌が滑りすぎることもしばしば。ので、内容についてはこのくらいで控えておきますが、予定の時間を過ぎても話題は尽きることなく、歓談は夜半近くにまで及んだのでした。


長谷川新『点と線』

2013年に、武田海さんはストライプハウスギャラリーで「IDEA」というタイトルの個展を開催しており、その展覧会を記録した小冊子があります(編集・富永剛総/ONECUP出版)。



インディペンデント・キュレーターの長谷川新さんが、この小冊子についてブリリアントなテキストを書いてくれているのでご紹介します。
あるいは、今回の海さんの展覧会のよき導入となるかも知れません。

ちょうど現在、トーキョーアーツアンドスペース本郷では、長谷川さんのキュレーションによる『不純物と免疫』という展覧会が開催中です。 17日から始まる海さんの個展と併せて、ぜひ。




『点と線』
  長谷川新(インディペンデント・キュレーター)


筆者は残念ながら武田海の作品に触れる機会を得ていない。ある日自宅に届けられた一冊の記録集を拝読したにすぎない。それのみをして武田海論を執筆するということは、筆者には手にあまるばかりか、作家に対して礼を失する。そこで、筆者は記録集の最後に掲載された「IDEAの海へ」と題された一群のテクストについて、若干文章を綴ることとした。それは「点と線1」「点と線2」に分けられる。


点と線1
西洋美術における 20世紀最大の「発明」とは何かと問われれば「抽象絵画」であるという答えが返ってくるだろう。すでに歴史化、ジャンル化された「抽象絵画」は、おそらくその「起源」からちょうど一世紀が経ったということもあり、一斉に問いに付されている。

抽象絵画をめくる男性中心主義は、まさにその偏向的な歴史化を行ってきたニューヨーク近代美術館〔MoMA〕自身によって反省され、大きく修正されている。ここ数年の動向を見てみるだけでも、Inventing Abstraction 1910-1925〔抽象を発明する1910-1925〕展(2012年)を画期とし、The Forever Now: Contemporary Painting in an Atemporal World〔永遠の今:超時間的世界における現代絵画〕展(2014年)の失敗を経由しつつも(ゾンビフォーマリズム批判が吹き荒れた年だ。付言するとキュレーターであるローラ・ホプトマンはエリザベス・ペイトンやジョン・カリンら具象傾向の作家を90年代に評価し、草間彌生の回顧展を行い、ドローイングを作品として制度的に登録させた立役者である)、Making Space: Women Artists And Postwar Abstraction〔空間を作り出す:女性作家と戦後の抽象〕展(2017年)に至っている。 こうしたジェンダーに基づいた歴史登録の偏向の矯正と同時に、アメリカ中心主義の見直しも盛んに行われている。いずれの戦略においても鍵となるのは、抽象絵画の非-政治的表面性に隠蔽された大いなる政治性の暴露である。フランシス・フォリンによる書籍 Embodied Visions: Bridget Riley, Op Art and the Sixties〔具現化された視覚:ブリジット・ライリー、オプアート、60年代〕(2004年)は、オプアートの中心人物ブリジット・ライリーの展覧会を追いながら、彼女のキャリアにおいて、いかに様々な政治性が発露していたのかを見事に描写している。それはヨーロッパや南アメリカなどで盛んに行われていた幾何学抽象およびキネティックアートを、「POP ART」の「次」としての「OP ART」という命名によって「アメリカ化」したことに始まり(Responsive Eye〔応答する眼〕展もまた、MoMA である)、オプアートのもつ境界横断性ー抽象、サイエンス、テクノロジー、商業主義、モダニズム、鑑賞者の能動性、作品定義ー、ライリーが「女性作家」であり「イギリス人」であることによる種々の対立が拭い難く埋め込まれている。私たちはここで気づかなければならない。具象/抽象といった二項対立が融解した以後も、いやそもそもにおいて、およそ抽象絵画が政治的でなかったことなどない。


点と線2
イデア論ーこの世界はいわば「コピー」であり、真の実在としての「イデア」が存在する、しかし我々はそれを本当に知ることはできないーという人類の不幸を、いかに肯定するか。コンセプチュアルアートと呼ばれる作品群に通底する技術はそこに端を発する。たとえラファエロやピカソを持ってしても、彼らの技術でさえ、イデアを現実に表現することは叶わない。この壁を展開すると、次のようになる。頭のなかにある「アイデア」を現実世界にアウトプットするには、つまり、他者に伝達するには、必ずそのアイデアは劣化しなければならない。まるで画像の解像度が落ちるように。であるならば、問いはこのように反転する。アイデアの解像度の落ち方、アイデアの劣化の仕方の技術に焦点を当てるべきである。レディメイド、アッサンブラージュ、コラージュ、発注芸術、インスタレーション、パフォーマンスの一回性、これらは「劣化の仕方」の技術の研鑽として理解可能だ。コンセプチュアルアートとは畢竟、イデア論に対しての抵抗と肯定なのである。有名なコスースの椅子/椅子の写真/椅子の定義を並べた作品は、それらが「等価である」と言っている。いいかえれば、それぞれ「椅子のイデア」に対しての別様の劣化のあり方を示している。だからこそ、あの作品のタイトルは One and Three Chairs〔ひとつであり3つである椅子〕(1965年)と名づけられている。
椅子の作品に比べればあまり知られていないが、コスースは同シリーズとして Clock (One and Five).English/Latin Version〔時計(ひとつであり5つ)、英語/ラテン語版〕(1965年)を制作している。こちらはタイトルに時計とあるにもかかわらず、辞書の定義の引用にその文字はない。
代わりに記されているのは、「時間」「機械化」「オブジェクト」であり、それぞれが「時計のイデア」に対しての劣化となっている。しかし「時間」はさておき、残るふたつが「機械化」と「オブジェ」であるのはいかにも奇妙である。「機械化」と「オブジェクト」はまさにコスースがこの作品が制作した 1965年においての大問題であった。すなわち、(まだそう呼ばれてはいなかったが)コンセプチュアルアートに向けられた様々な誹謗中傷、激烈な怒り、痙攣的反抗に対しての、静かなコスースのメッセージになっている。それはあまりに繊細で小さな声で語りかけられている。しかし確かにコスースは、イデア論に対して別の戦い方を発見したのである。作家自身の身体によって形作られたものと、工業製品との間にある差異は優劣ではなく、イデアの劣化 のバージョン違いであるのだ、という点から、彼らの戦いは始まっている。問われるべきは、そのアイデア=コンセプトを伝達するにあたって、どのような劣化を選択するか、それのみなのである。




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